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01 agosto 2020

MÚSICA: Judas Priest (UK, 1969-Actualidad) - Nostradamus (2008)

Mientras reviso los últimos días de junio de mi diario sobre todo el periodo que ha durado el Estado de Alarma y sus sucesivas prórrogas escucho el álbum conceptual Nostradamus, de Judas Priest. 
Judas Priest es una banda británica que cultiva el heavy metal con más de cincuenta años en el escenario. Es decir, que se trata de una banda mítica del género, que en 2008 irrumpieron con este maravilloso trabajo conceptual grabado en dos cedés dedicado al visionario francés que vivió en el siglo XVI. 
     Se trata de una música que me ha servido tanto para correr como para escribir. Posee ese toque melódico que no te dispersa en la actividad que estás llevando a cabo, a pesar de las incursiones metaleras que siempre ha de tener toda banda que cultive el género y se precie y que yo celebro. Es posible que me sugestione bien para estas actividades solitarias tanto por el equilibrio de sus duras guitarras como la vitalista voz del veterano solista de la banda Rob Haldford, que cuenta con sesenta y ocho años y es fundador de la banda, a pesar de que estuvo algún tiempo alejado de ella. 
Escribir con música siempre ha sido una decisión para mí muy equilibrada y en función de lo que esté escribiendo así será el sonido elegido. Si escribo una novela, que necesite de la vitalidad necesaria para intentar que el ritmo no decaiga, siempre opto por música de fuertes decibelios, y si necesito algo más de introspección, siempre estará la música clásica o étnica suave. Pero la música aparenta muy distinta en función de en qué tipo de aparatos de reproducción la escuches. Una excelsa melodía de música clásica puede sonar como una lata rodando cuesta abajo por mor de un fuerte viento si se escucha en un aparato de reproducción barato o con unos auriculares de esos que te dan el AVE. En cambio, un sonido mediocre puede sonar a las mil maravillas si utilizas aparatos de alta precisión. Yo procuro escuchar todo lo que escucho con unos buenos auriculares concebidos para la música HI-FI, pero no siempre escribo con música reproducida en mi cadena HI-FI sino la que está en el disco duro del ordenador, cuya calidad de la tarjeta de sonido no se puede igualar al de reproductores especializados. Por suerte, el mercado cuenta con soluciones magistrales: los DAC, que son pequeños aparatos portentosos (y caros, si queremos que sea de calidad), que convierten la música digital extraída del ordenador en analógica, sonando como si estuvieras escuchando esa música en un aparato especializado concebido para la música de alta fidelidad. Es una suerte que así sea porque, en mi caso, que necesito escuchar música para escribir, la solución perfecta es escuchar la que sale del ordenador, que no solo será la que esté enlatada en el disco duro sino la proveniente de las plataformas de música en streaming, que cada vez son más y más avanzadas. 
Por supuesto, dedico otros ratos a escuchar esa música u otra en mi aparato de alta fidelidad, para lo que uso un par de auriculares también de alto nivel. En esos ratos me detengo más en las notas y en los sonidos que cuando escribo (porque ya no corro con música), que suelo estar más concentrado en el texto. 
A continuación os inserto algo del Nostradamus de Judas Priest en directo, por si no conocéis el trabajo y os pudiera interesar. 




01 octubre 2017

ÁLBUM: JAIO/NACER. AUTOR: SERGIO ZURUTUZA (2017)

La imagen puede contener: exterior   Como sabéis los mas antiguos de este lugar virtual, hacer comentarios o críticas de trabajos musicales no es común entre las que hago que, por lo general, están referidas mayormente a libros o cine. Pero en este caso era preciso.
   No conozco personalmente a Sergio Zurutuza, pero bastaron las palabras de mi colega de letras Antonio Pardo Larrosa (gran entendido) sobre su talento para interesarme por sus creaciones. Soy un tipo curioso e intento estar al día -labor imposible- de todo lo que entiendo por creatividad y aunque jamás he tenido trato con ninguno de los dioses y diosas de la música, ésta forma parte de mi vida de una manera muy particular, como lo hace la poesía y la literatura. Decidí hace tiempo encerrar todo eso en un cofre, que bien podría ser mi mente, y retener todas esas sensaciones que experimento con la creatividad, ya sea literaria, musical o visual. Por tanto, la música la vivo de esa manera íntima y puedo saltar de la gran clásica al heavy metal mas cañero, pasando por la BSO, con tan solo activar uno de los apartados de ese cofre-mente. En ocasiones, me siento afortunado por ello. Afortunado de poder emocionarme con melodías y canciones a pesar de no saber leer ni un básico pentagrama. Es un poco lo que me ha ocurrido con este buen autor vasco que ahora reseño. La historia es simple: las redes sociales. Ese gran invento que sirve para lo mejor y para lo peor de todos nosotros. Desde que las descubrí, siempre he intentado sacar lo mejor (si bien a veces he visto el lado más soez, como en la vida misma). Y, para mí, lo mejor no es otra cosa que la creatividad de cualquier tipo. Saber de las obras de personas anónimas o que, al menos, antes no conocía de nada, y que son capaces de hacer grandes cosas. Uno de esos creadores es Sergio Zurutuza. Porque el compositor e interprete vasco posee esa especie de plus creativo que no es fácil encontrar, ni tan siquiera en gente muy consagrada. Lo digo sin ambages. Esa idea última expresada en palabras o en música, a la que no es fácil llegar. Ideas últimas que suelen ser muy incomprendidas, lo sabemos.
   Poseo -creo- toda la obra de Sergio Zurutuza publicada y la escucho a pequeñas dosis que es como hay que saborear el buen elixir, si bien me he centrado en su último disco Jaio/Nacer, el cual me aventuro a comentar. Se trata de un trabajo que cuenta con dieciocho cortes más un "Bonus Track", que no es otro que la "demo" de su tercer corte "Nebushi". Con Jaio me ha ocurrido algo que no suele ocurrirme casi nunca con ningún disco: la asimilación inmediata desde la primera escucha. Todos sabemos que un disco necesita ser escuchado varias veces para familiarizarnos con él, para ir detectando los matices, el lenguaje de los instrumentos, el tono melódico. Y si bien es cierto que encontraremos en Jaio cada vez más matices, esa asimilación a mí me llegó de inmediato. Será porque adoro la poesía y en este trabajo la hay a raudales, al tiempo que el compositor introduce contenido oral que engarza con la concepción musical del género cantautor y que es utilizado también por grandes maestros del género instrumental, tales como Mike Oldfield o Vangelis. Así que os relato mi particular visión de este trabajo musical. Vayamos con él.

JAIO/NACER

   El primer tema, "Sur-realista", de tan solo diez segundos, es una frase muy sugestiva, que en realidad podría pasar por un verso de un poema, e inmediatamente comienza el segundo corte (el Intro), una música que parece explicar esa frase, ese verso. Podríamos hablar de técnica  o de inspiración, es posible que de ambas cosas. El caso es que ambos cortes están muy bien compenetrados, en mi opinión.
    El tercer corte, Nabushi, es delicioso. Como anécdota diré que le pregunté a Sergio si era él el que cantaba. Me respondió que sí y eso me maravilló. Por un motivo: había puesto ese tema en el altar del disco. Le capté un sentido, una musicalidad y una poesía innata desde el primer momento. Ese nuevo idioma habría que proponerlo para que pugnara en dura competencia con el Esperanto ¡vive Dios!
    El cuarto tema se denomina "Rayas Celestes" y cuenta con seis minutos y cuarenta y ocho segundos, el más largo de todo el trabajo. Me gusta por varios motivos. Observo que la batería va como organizando todo el carrusel de sonidos y voces que van llegando hasta que, por fin, se integra en el conjunto, donde la guitarra parece ir cogiendo el protagonismo. Es básicamente instrumental, pero destila una historia que merece ser contada a un ritmo melódico muy agradable. Me atrevería a decir que Rayas Celestes es un punto de inflexión importante en el conjunto del trabajo.        
   Avanzamos al cuarto corte y nos encontramos con Ondoriak (Consecuencias). Posee un comienzo épico, que podría ir situado perfectamente en películas de nuestro gusto. Un comienzo épico muy emocionante, sin duda. Estoy convencido de que este corte va a ser usado en múltiples imágenes visuales de televisión, apuesto por ello. Porque destila épica deportiva, histórica...Un sinfín de imágenes épicas.
   El compositor vuelve a hablarnos en su "Yo ya no soy yo", de tan solo dieciséis segundos, para dar paso a "Un vals para...(?)". Como ya ocurrió con el primer corte, hay una perfecta compenetración entre esa frase y la música que llega a continuación. Jamás había escuchado la versión de un vals como éste, lo que adivina una creatividad arriesgada que se salda con muy buena nota. Destila emoción -mucho más que los vals en sí- porque también parece estar la melodía contando una historia. No cabe duda que la creatividad musical de Sergio Zurutuza bebe de fuentes muy literaria. Es un corte que no te hartas de escuchar. 
   En "Las alas de la conciencia", su octavo tema, de una temporalidad bastante extensa en comparación con el conjunto, el autor comienza pronunciando lo que entiendo por un discurso con gramos de visceralidad y una exclamación "pasota" final. ¿Qué vendrá después? te preguntas. Y lo que viene es un cambio de tercio de sublimes voces acompañadas de una música expresiva, para volver de nuevo a ese discurso (que no ha perdido nada de visceralidad). El tema acaba también de manera muy emocionante, mezclándose esa especie de coro con la música de una manera muy sincronizada. Sí, se trata de un tema muy vital. Mucho. Culminando con una inocente voz infantil que de manera optimista admite que no pasa nada si se nos pasa el tren. Es la voz de Aitor Martinez, el sobrino del compositor.
     El noveno corte es el que da título al álbum, Jaio/Nacer, por lo que es necesario estar expectante. En éste hay un diálogo en vasco a cargo de Olatz Isasa con un trasfondo musical magnífico. Un diálogo que intermedia un evocador y ancestral canto, para continuar con el diálogo. Obviamente, no comprendo el vasco, pero ¡me inspira tantas cosas ancestrales! Pareciera el origen de todos los idiomas antiguos (algunos filólogos afirman que podría ser el idioma más similar al utilizado por los antiguos íberos). No, no defrauda el corte nueve, que da título al álbum. Es más, asume muy bien la esencia del conjunto del trabajo.
   En el décimo corte "Te faltan inviernos" volvemos de nuevo a un verso: "Te faltan inviernos y te sobran veranos; la primavera no es fiable; y el otoño..., el otoño es irremediable". Ese evocador verso da pie al tema undécimo "Viaje a Beautiful" el cual comienza con una interpretación de piano (entiendo que a cargo de Sergio Zurutuza), que es el protagonista inicial de la melodía para conectar una musicalidad más amplia en la que los instrumentos van apareciendo para quedarse. Es un corte dotado de una personalidad propia que destila belleza y alegría, pero también algunos gramos de tristeza. Resulta proverbial como en este corte la música se va transformando de la alegría hacia algunos gramos de tristeza, para volver de nuevo a la vitalidad inicial. 
   El tema doce, Xuxurlak (Susurros), comienza con un sugestivo punteo de guitarra acústica que evoca recogimiento, estableciendo, en suma, una especie de diálogo pausado. Es uno de los temas más largos del álbum -cinco minutos y un segundo- y es totalmente instrumental. 
   "¿Ahora estáis atentos? Ya podéis cortarme la luz" Es así como comienza y como acaba el tema décimo tercero, "La luz", para dar paso a una grabación ambiental en el tema catorce, denominado "Canta la manada en la sabana"  (al estilo de las que utiliza Manu Chao) en la que escuchamos a unos hinchas fútboleros: ¡Vamos, Sevilla¡ y que sirve de excusa perfecta para introducir la guitarra española y las castañuelas en el tema quince, "The Golden crustazy", un tema eminentemente de música andaluza (si es que existe la música regional a estas alturas). Las castañuelas, a cargo de Aida Ramos, hacen un trabajo importante, qué duda cabe, como acompañamiento a esa guitarra española que salpica unas notas del Sur que a uno le han de ser familiares a la fuerza. Muy conseguido, sobre todo si tenemos en cuenta que se trata de un compositor no nacido en Andalucía. El tema dieciséis pasa por ser el corte más corto del trabajo. Cuenta con tan solo seis segundos y vuelve a ser una frase del autor que da pie a la entrada del tema diecisiete, "De lunas, farolas y bemoles", que a mí me resulta fascinante. Me explico. Existen en él unas frases pronunciadas por Sergio Zurutuza que me parecen -que me rectifique el autor si me equivoco- totalmente espontáneas. Cuando escucho este tema no me cuesta imaginarme al autor sentado en la soledad de su estudio hablándole a su guitarra y sacando de su interior estas frases tan sugestivas.      
   El tema dieciocho te deja perplejo. Su título "El sentido de un silencio absurdo". Estás atento a que irrumpa, pero es solo silencio ¡Genial! Es la no música, que también es música, desde luego. 
   Y acabamos con la "demo" de Nebushi, que a mí me parece muy acertado que esté ahí. Entre otras cosas, porque ya dije que Nebushi me parece un tema mayor. Es como esa canción ganadora de cuando los festivales de Eurovisión tenían calidad y que celebras poder volver a escucharla al final. 

   En definitiva, amigos y amigas, un enorme trabajo. Tanto por lo que sugiere como por lo que oculta y promete para un futuro venidero. Por lo que se queda en la cabeza y los dedos del intérprete y compositor vasco para próximas obras. Porque no cabe la menor duda que este trabajo navega por un proceloso mar de creatividad. De mucha creatividad. Y que dará paso a magníficas secuencias musicales futuras. No me cabe la menor duda. 

02 julio 2017

SONIDO DE ALTA RESOLUCIÓN PORTATIL

   
Llevaba ya tiempo con la idea en la mente de "conectar" con la reproducción digital portátil en alta resolución. Así que tras un riguroso estudio del mercado me decidí por la marca FiiO, eligiendo un modelo de entrada, el sucesor del mítico FiiO X1. El que he adquirido es el de segunda generación (el X1-II) que incluye bluetooth avanzado 4.0, que aunque no tenga, en principio, la fidelidad del cable, si lo utilizas con unos buenos auriculares como los Monster que poseo, va francamente bien. Porque aquí la clave ya sea en cable o en bluetooth está en la calidad de los auriculares, que posea una impedancia adecuada para el aparato y no los que ofrecen en los trenes y los aviones. Para ese tipo de auriculares te basta con un MP3 de los chinos. Aquí hablamos de la máxima calidad  posible, sin que tampoco sea necesario penetrar en el High-End, que es otra historia. Este aparato que muestro en la fotografía cuenta con la virtud de poseer una tarjeta de sonido de primerísima calidad y un DAC profesional que nos permitirá transformar la señal digital en analógica. Además, es capaz de reproducir archivos de alta calidad sonora, ya sea comprimidos como el famoso FLAC, sin apenas pérdida o bien sin pérdidas, como el WAV a 16 bit, que es como me gusta escuchar la música, a pesar de que ocupe mucho más espacio, aspecto que no supone demasiado problema, toda vez que el aparato -que no tiene memoria interna- es capaz de procesar una tarjeta SD de hasta 256 GB, lo cual es una barbaridad para tan menguado tamaño. Ahora bien, a pesar de que poseas una Sd de ese tamaño no podrás portar tanta música como con el formato FLAC, por lo que, teniendo en cuenta, que no habrá apenas pérdidas (el oído humano apenas las percibe y Mozart ya murió), lo suyo es almacenar en FLAC, sobre todo si quieres llevar a todas partes tu discoteca.  
Estoy en fase probatoria (por lo que esta especie de rewiew no es más que una introducción inicial) y escuchando en varios formatos y con varios auriculares y lo primero que me ha sorprendido es que se porta mucho mejor con mis queridos auriculares portátiles Koss Porta Pro, que con los míticos y afamados Grado SR80 (me he quedado de piedra), pensados, quizá, para equipos de alta fidelidad, donde se mueven con una soltura y emoción alucinantes.  La batería es casi eterna. Bueno, me explicaré, no eterna, pero como resulta que no soporta imágines (es es sonido cien por cien), con sus 1800 mAh, capacida que hoy día no tiene ni los smartphones más cutres, tiene para una eternidad musical. Además, como decía soporta rangos de impedancia para auriculares entre 16  y 100 ohm, lo que significa que admite gran cantidad de auriculares, incluso los de impedancia muy baja. Su interfaz es adecuada, pero nada del otro mundo. Aporta la famosa ruedecita de los Ipods clásicos, que a mí tanto me gustaban, si bien mucho más imprecisa. Nada de imágenes ni tontunas por el estilo, tan solo las carátulas del disco que escuchas si aporta el mínimo jpeg necesario. Un gran modelo de entrada con cuya calidad y prestaciones nada tienen que hacer los Ipods ni demás familias pijas de moda.    
    Escuchando a Riverside y su "New Generation Slave", la profundidad y nitidez del sonido es enorme, así como cualquiera de los sugestivos temas de Porcupine Tree, que me he asegurado de escucharlos en formato FLAC, existiendo una armonía impresionante entre guitarras y bajo. Asimismo, los directos de Medina Azahara, sobre todo "A toda esa gente", adquieren la emoción propia de estar en la sala de conciertos. Me queda pendiente -mucho por escuchar- escuchar cómo mueve el aparato los riff de Metallica o la música electrónica con alma de Jarre....Mucho, mucho por escuchar. Por lo pronto, barrunto y sospecho toda una gama de sonidos deliciosos portados en un cuerpo de aluminio muy transportable. Como llevar tu Hi-FI a todas partes.  
      



    

04 octubre 2014

MÚSICA: CREMATORY (ALEMANIA, 1991-ACTUALIDAD)

Crematory es una banda alemana que surgió en 1991 y que se mantiene hasta nuestros días, con una pequeña interrupción en 2001 de apenas un par de años. 
Cultiva Death melódico básicamente, con algunos elementos de Gothic, pero siendo siempre el metal su razón principal, ya que se trata del clásico grupo metalero apegado a sus orígenes como pocos; fiel a su estilo y formas de hacer y crear música. 
Intercambia dos vocalistas de registros muy variados. Uno de ellos, Matthias Hechler, con una voz mucho más limpia y de reminiscencias más góticas; y el otro, Gerhard 'Felix' Stass, con una marcada voz gutural, más Death. El primero también toca la guitarra principal; el segundo sólo voz, y por eso su protagonismo con el micro es mayor. Me parece muy interesante ese juego de voces, algo que no se da demasiado en el panorama metálico. Además, hay una guitarra bajo, una batería y un teclado de registros sonoros muy originales accionado por una chica. Incluyen sonidos de percusión muy bien avenidos con las guitarras, la batería, el teclado o las voces.
Es una banda magnífica, que se deja escuchar de maravilla, ya que sus sonidos, sus voces y sus ritmos están perfectamente compenetrados y hacen que el Death melódico que, básicamente, interpretan se convierta en todo un carrusel de sonidos agradables para el oído. Muy francos y honestos en la concepción del sonido y muy fieles al sonido que gustan interpretar.      
Todo ese conjunto hace que sean muy demandados para actuar en directo y pocos son los grandes festivales mundiales a donde no acuden. 
Os inserto aquí uno de los vídeos 'lives' que, en mi opinión, mejor suena. Se trata de su actuación completa en la edición del Wacken de 2008. 


19 septiembre 2014

MÚSICA: AMON AMARTH (SUECIA, 1992-ACT.)

Amon Amarth es un banda de Death metal melódico procedente de la ciudad sueca de Tumba. Su nombre significa 'Monte del destino', en Sindarin, una de las lenguas élficas de la Tierra Media, que creó Tolkien para su magna obra ' El Señor de los Anillos'.  
A pesar de cultivar el Death no introducen teclado en su formación, que está compuesta de dos guitarras -un principal-, guitarra bajo y batería. La voz es independiente y es con mucha frecuencia gutural. Ya hice una reseñas de ellos hace tiempo y afirmaba que el Death no era uno de los estilos metaleros que más me gustaba, pero he de decir que con esta banda he aprendido a comprender este estilo y ya está entre mis predilectos (soy muy abierto a escuchar todas las tendencias).
Su estética es muy nórdica, muy tipo 'viking', porque casi todas las bandas nórdicas tienen afición a este tipo de estética, que es una forma de reivindicar su pasado más oscuro. Ese pueblo nórdico con mala fama cuyas tradiciones, religión y forma de vida, está a mitad de camino entre la realidad y la leyenda (en ese aspecto, impagable la documentada serie 'Vikings'). 
Han publicado nueve trabajos de estudio, el último en 2013 y sus directos son muy demandados. Suelen, como casi todos los grupos de este tipo de música y estética, decorar sus escenarios con motivos de su cultura ancestral, pero no son tan rocambolescos y espectaculares como otros de su cuerda y estilo. 
Por tanto, el éxito de su directo está en su buen hacer. Es un grupo que a mí me gusta, básicamente por el buen equilibrio entre instrumentos y voz. Poseer dos guitarras es una magnífica opción que ofrece mucho juego en el escenario y este grupo explota muy bien ese aspecto. Además, el bajo se puede dedicar a su función propia, que es algo mucho más difícil cuando hay una sola guitarra como es el caso, no sé, de Warcry en España (no significa que Warcry cultive el Death melódico), por poner un ejemplo. 
También valoro la voz que no es demasiado gutural -demasiado cansa-. El vocalista de esta banda, Johan Hegg, la tiene bastante equilibrada y gutural, como decía. Además, se compenetra muy bien con los instrumentos, creando un buen equilibrio natural. 
Si os gusta este música u os estáis iniciando en ella, os sugiero que escuchéis el vídeo que inserto para comprobar las magníficas melodías de las guitarras, que son el alma del grupo y el perfecto acompañamiento de bajo y batería, no creando confusión ni discordancia la voz.
Este vídeo corresponde a una de sus últimas actuaciones, en el Wacken de 2014.

30 agosto 2014

MÚSICA: Ska-P (España, 1994-Actualidad)

Viendo vídeos de conciertos en Youtube  me topo con los multitudinarios conciertos del grupo español Ska-P, que yo creía había desaparecido. El grupo se fundó en 1994 y, al parecer, desaparecieron un par de años, pero volvieron a juntarse en 2007. 
Me he dedicado un buen rato a ver su trayectoria en los últimos años y me ha impresionado la aceptación que tienen tanto en Europa como en América Latina, mucho más que en España. Y todo eso me ha hecho pensar. 
Resulta que aquí ningún medio oficial se hace eco de este grupo porque sus letras son corrosivas contra el poder, la corrupción, el mamoneo y las injusticias sociales. Además, abominan de la tauromaquia y otros elementos arraigados de la España oficial y, claro, eso no gusta a casi nadie. No se casan con nadie. En cambio, nos meten a las Sakhiras, los Sanz y los Iglesias hasta en la sopa, hasta el punto que uno piensa que, definitivamente, nos toman el pelo de forma descarada, mientras nadie tiene la dignidad de informar que un grupo español modesto surgido en Vallecas está llenando estadios por medio mundo sin más apoyo que el de su numeroso público. Es tan vergonzosa y manipulada la información oficial en España que abochorna.   Pero resulta que sus conciertos son multitudinarios allá por donde van, al nivel de muchas de las más bandas más consagradas del rock y del heavy metal internacional. De largo, el grupo español que más gente aglutina fuera de nuestras fronteras. Es algo increíble. Llenan estadios y enormes recintos festivaleros en Rusia, Inglaterra, Francia, Alemania...Igual que lo hacen en México, Argentina, Venezuela o a cualquier país que vayan. Incluso, se han permitido el lujo de rechazar una nominación a los premios 'Grammy' de -creo- 2013, porque consideran que ellos no tienen nada que ver con ese tipo de premios. 
Su música, como recordamos, es muy divertida y dinámica, pero me pregunto cómo aglutinan a tanta gente en Europa cantando en español. Y, además, no se cortan. En uno de los conciertos que he visto en vídeo, ante miles de personas en una ciudad alemana, gesticularon contra la política de la Merkel y que dijeron algo así: 'A ver qué va a hacer esta señora con los pobrecitos españoles que trabajan aquí'. Supongo que no les entendieron porque como ellos mismos afirman, mucha gente va a sus conciertos atraídos por su música tan divertida y su original puesta en escena. 
Claro, que en América Latina si les entienden y al hacerlo disfrutan con sus letras, las cuales suelen ser de corte revolucionario. De ahí que no sea extraño que sientan pasión por ellos en Venezuela y demás países de similar esquema político. De hecho, fueron los invitados especiales en un festival homenaje a Hugo Chaves que se celebro en Caracas. 
Os invito a que os paséis por Youtube y comprobéis lo que escribo, porque además su música es genial. Como anticipo os inserto el corte del concierto que dieron en Alemania en 2013:        

    

16 agosto 2014

BUEN ENÉSIMO CONCIERTO DE MEDINA AZAHARA

Foto de J.A. Flores
El pasado miércoles, trece de agosto, el grupo Medina Azahara actuó en la ciudad de Maracena con motivo de sus fiestas patronales. Me enteré de casualidad, leyendo Ideal, y me dije que no debía desaprovechar la oportunidad de volver a ver a la veterana banda cordobesa, sobre todo cuando no iba a tardar más de veinte minutos andando desde mi domicilio. Sin embargo, sabía que al ser una actuación gratuita para los habitantes de Maracena y muy barata para los que no lo eran y en plenas fiestas de una ciudad que está ya en casi veinticinco mil habitantes iba a ser una tarea algo estresante. Porque para mí siempre lo es acudir a citar multitudinarias, pero ésta lo sería aún más, supuse.
Es un grupo que ya había visto ya en varias ocasiones -incluso lo contraté cuando yo era Concejal de estas cosas en mi pueblo- y presuponía que nada iba a cambiar demasiado con respecto a actuaciones anteriores. En su contra, los sempiternos temas de siempre, con algunas incorporaciones nuevas lógicamente. A su favor: el buen directo, el emocionante directo, gracias a que atesora buenos músicos solventes, muchos de ellos premiados. Así que saqué fuerzas de flaqueza y me dirigí al buen anfiteatro de esta localidad -un acierto, oye- sitio en el que ya había visto con mis buenos amigos concejales de corporaciones anteriores a célebres artistas, algunos de ellos ya tristemente desaparecidos como es el caso de Carlos Cano.
La sorpresa fue comprobar que la entrada al recinto -con aforo para mas de cuatro mil quinientas personas, rezaba un cartel- no estaba franqueada por taquilla alguna; es decir, que era libre incluso para los foráneos. Luego, pensé, aquí se va a concentrar todo tipo de gente, al ser una actividad gratis total en el primer día de fiestas de la ciudad: personas mayores, que siempre conocen con antelación suficiente la gratuidad de los sitios, olfatos que se afinan cuando se posee una pensión ridícula y, además, se tienen a su cargo un buen número de parentela, que es algo muy común por estas tierras, dado el fuerte paro, la desintegración, etc., etc.; ésos, decía, ya estarían allí desde la puesta de sol. Pugnando en número le iría a rebufo las familias con hijos pequeños, muy abundantes, con sus carrillos de bebé cuatro por cuatro y toda la parafernalia; de cerca, les seguiría grupos de animosos amigos del pueblo que, aunque no les interesara demasiado el grupo, no iban a desaprovechar pasar un buen rato, porque a nadie la amarga un dulce y son las fiestas de mi pueblo y tal; y ya en buen número también, los verdaderos seguidores del grupo, gente venida de otros sitios de la provincia de Granada dispuesta a abonar su entrada, que importándoles un bledo lo que allí se cocía con anterioridad al concierto de su banda favorito, se iban situando en foso del anfiteatro, justo enfrente del escenario, que es donde mejor se escucha el sonido, al tener los altavoces de frente y no haber apenar distorsión. En fin, que entre unos y otros, el aforo estaba al límite, si no superado.
Lógicamente antes, que para eso eran sus fiestas, este foráneo, debió contemplar con un ojo al menos, todo un cuadro flamenco de la escuela de la localidad, supongo; pero lo que ya no esperaba -y juro que tuve que hacer de tripas corazón- era el pregón, pasadas las doce de la noche, que en teoría es cuando debía comenzar su actuación Medina Azahara. Como tampoco esperaba que antes el alcalde socialista de la localidad, con la excusa de presentar al pregonero, una persona mayor que había sido concejal de cultura y que yo conocí hacía ya bastantes años, no tuvo problema alguno en lanzar allí una arenga-mitin: que si esto ya no es pueblo, sino una ciudad; que si estamos acometiendo tal cosa y las de más allá; que todo esto es por vosotros; que disfrutéis de vuestras fiestas, en fin, yo pensé que a esas alturas ya se iba a olvidar de presentar al pregonero. Pero al final lo hizo, porque seguramente su concejal de fiestas ya le estaban dando toquecillos.
Pero, en fin, me dije, debía de admitirlo, yo allí era un foráneo al que habían posibilitado ver gratis total al grupo Medina Azahara, pagado con los impuestos de toda aquella gente que se congregaba allí. Así que me fui a por una 1925 y un pinchito, a la espera de que se fuera preparando el escenario para los cordobeses. Sin embargo, cuando regresé, el pregonero aún estaba ante el micro entonando unas coplillas y recordando cómo eran las fiestas del pueblo en su infancia, que es a lo que aluden casi siempre los pregoneros -eso sí, si son de allí, porque si no lo son siempre dirán que esas fiestas eran sus preferidas-. Me pregunté que qué diría yo si alguna vez -caso harto improbable- me llamaran y yo aceptara -cosa que dudo- dar un pregón en mi pueblo (cuando yo era concejal recuerdo no haber designado jamás a pregonero alguno; lo hacía el alcalde o alguien de la comisión). Posiblemente también hablaría de cómo eran las fiestas de mi pueblo cuando yo era niño, no me iba a poner hablar de la novela 'Los detectives salvajes' de Roberto Bolaño que estoy acabando.
En fin, entretenido como estaba con esos pensamientos tan extraños que a veces me asaltan - y que luego tengo la desfachatez de escribir aquí-, el pregonero se despidió de golpe, tras entonar una última cancioncilla y antes de lo que yo ya creía -mentalizado a que el concierto comenzaría mucho más tarde-, a eso de las doce y media de la noche pasadas, se apagaron las luces del escenario e hizo aparición Medina Azahara. Contemple algunos rostros de la gente mayor que allí permanecía estoicamente sentada con su Fanta de limón en la mesa -ellas- y su cubatilla -ellos, a pesar de tu tensión alta, Paco- y no sé por qué leí en su expresión que les hubiera gustado que hubiera seguido hablando el pregonero, que ahora iban a tener que aguantar a esos melenudos -aunque ya más que maduritos- con esa música estruendosa y tal -¿qué hubiera pasado si el grupo hubiera sido , no sé, Obús?-. Sin embargo, los rostros de los fans del grupo eran todo lo contrario, rostros iluminados e ilusionados.

Foto de J.A. Flores

¿Y qué decir del enésimo concierto en directo de Medina Azahara?

Me temí lo peor; temí que a pesar de la emoción que suscita su directo me aburriera como las ostras, escuchando de nuevo las mismas cantinelas de libertad propias de los primeros años de autonomía, antes de que todos supiéramos los artistas que iban a comandarla, antes de que barruntáramos la llegada de los Chaves, los Zarrías, en fin, todos esos que ahora están encausados por el asunto del latrocinio en masa y en cadena de los ERES falsos y que espero que la jueza Alaya y la providencia descubran de una puta vez la verdadera cara de esta gente.
Pero no nos perdamos del objetivo principal de esta entrada. Tras un comienzo normalito, recurriendo a los viejos temas de siempre, comprendí que el grupo, a medida que iba sumando temas al repertorio, estaba haciendo un esfuerzo innovador.
En primer lugar, con la incorporación de un nuevo batería y un nuevo bajo, al que acompañaban la guitarra del incombustuble Paco Ventura, uno de los mejores guitarristas de España, según medios especializados, y el teclado del orondo Manuel Ibañez, seis veces proclamados mejor teclista de España. Me pareció, no obstante, que la voz de Manuel Martinez no era lo preclara y potente que le había escuchado antes, pero poco a poco ésta se fue aclarando. La razón la encontré no ya en la voz -que puede que esté ya más cascada tras tantos años y bolos- sino en el sonido, que poco a poco fue mejorando.
Pues, oye, que aquello se fue animando y ganando en calidad. Porque a pesar de que el grupo cordobés no introducía temas nuevos, sí que la forma de tocarlos y la puesta de escena era francamente atractiva, tanto en instrumentalización, luces, y multimedia. Aquello, en verdad, fue ganando enteros, por lo que me dije que la veterana banda había comprendido que no podía ir por los escenarios de España y también de latinoamérica haciendo siempre lo mismo. Se percibe sin duda la mano de algún productor con ideas modernas y renovadas porque por allí sonaron 'sólos' de todos sus instrumentalistas, alargues de notas musicales, improvisaciones, cierres de temas con elementos distintos a los ya conocidos. Sí, era otra Medina Azahara, a pesar de que seguía siendo la misma.
Por tanto, dos horas de concierto, amenísimo a partir de la última hora y la gente -no sé si los mayores y las mamis con sus hijos en el carrito cuatro por cuatro- solictando otra y otra, algo que esta banda atiende largamente.            

11 julio 2014

MÚSICA: WarCRY ( ASTURIAS, 2001-ACTUALIDAD)

Cuando escuché por primera vez cantar a un tipo llamado Victor García, comprendí que era una de las voces claves del metal español. Eso fue a finales de los noventa y estaba en un buen grupo que fue popular durante su existencia en los escenarios metaleros españoles, su nombre 'Avalanch'. Eran bastantes buenos, en parte, gracias a la voz de este asturiano. 
Posteriormente. como suele ser habitual en la estética de estos grupos, salió de manera bastante atormentada de 'Avalanch' y junto a otro amigo miembro también de 'Avalanch' montó el grupo al que ahora me refiero. Su nombre WarCRY. 
Ahora escuchar a WarCRY es escuchar a aquel 'Avalanch' ya que la concepción vocal de estos grupos es básica en cuanto a su definición. Sin embargo, no sólo hay voz -considerada de las mejores del género en España-, también hay enormes instrumentalistas: guitarra principal -en ocasiones dos-, guitarra-bajo, teclados y batería. La única diferencia de unos grupos con otros del género Power metal y Progresivo, como es el caso de WarCRY, es poca en cuanto a instrumentación; de ahí que sea tan importante una voz personal. En cambio, cuando hablamos de Trash nos referimos mucho más a una labor de conjunto (véase el caso de Metallica). 
Victor García, por lo escuchado, sigue fiel a sus letras épicas, epopeyas antiguas y medievales, que es algo que se le da bastante bien como ya demostró con su grupo anterior. Ahora con WarCRY parece contar con músicos más sólidos y, verdaderamente, se disfrutan bastantes sus temas y el instrumentalismo por separado y en conjunto.
Es un grupo que abarrota los espacios en los que actúa, es muy seguido. Y lo es tanto en España como en muchos países hispanosamericanos, además, de ser uno de los grupos españoles -hay pocos- que más actúan en los difíciles escenarios europeos, donde hay tantas bandas míticas y existe tanta cultura metalera. Por tanto, celebro que este buen vocalista con su estilo tan particular y registros tan medievales, pueda seguir haciendo lo que tanto le costó con el desaparecido 'Avalanch'. 
Inserto un corte de Youtube, quizá uno de los mejores: 'El guardián de Troya', perteneciente al multitudinario concierto denominado 'Omega', que ofrecieron en el Palacio 'Vistalegre' de Madrid en 2012 y que se convirtió en un trabajo de DVD y CD del grupo. Sugiero escuchar a este grupo y este tema con interés porque tienen mucha calidad, tanto en música como en letra.           

05 julio 2014

MÚSICA: MAGO DE OZ (Madrid, 1988-Actualidad)

Un grupo muy apropiado de escuchar en esta época es Mago de Oz. Su metal folk es alegre, desenfadado y cuentan con una espectacular puesta en escena. Además, utilizan muchos músicos e instrumentos, muchos de éstos, por lo general, no utilizados por bandas adscritas al heavy metal: violín, distintas tipos de flauta (travesera, dulce..), acordeón, buen número de sintetizadores, teclados y las siempre imprescindibles dos guitarras, bajo y batería. Todo eso les convierte en un grupo muy seguido, pero no siempre ha sido así.
Comenzaron a funcionar con mucho esfuerzo en 1988 y tras varias idas y venidas de miembros, se consolidaron en torno al grupo principal, encabezado por el batería Txus, que pasa por ser el mentor de la banda. También fue muy carismática la figura de su cantante José Andrea -doy fe que buen conversador- hasta su marcha hace unos años. Un cantante venido del conservatorio que es capaz de asumir diversos registros de voz y tonos. Eso era muy importante en la banda y está claro que tras marcharse 'Mago de Oz' no es lo que era.
También recibieron muchas malas críticas de sus aguerridos y fieles seguidores cuando un tema suyo 'Fiesta pagana' acabó formando parte de la lista de los 40 principales, asunto que se lleva muy mal en este sector musical.
Pero aún así, han hechos cosas de mucho mérito y han creado escuela con su estilo, música y letras. Probablemente el grupo de heavy metal español con más proyección internacional, sobre todo en hispanoamérica donde son seguidos por legiones de seguidores, principalmente, en México.
En España comenzaron haciendo bolos, como todos, y acabaron ofreciendo en 2004 un famoso concierto en Las Ventas, lugar que no todo el mundo llena ni se atreve a actuar y donde convirtieron el escenario en un enorme galeón de estética pirata. Profetas en su tierra. Con el conceptual 'Jesús de Chamberí' -probablemente su mejor disco, el Mago de Oz más heavy y auténtico-, se abrieron mucho camino y se consagraron con la trilogía, -sobre todo con el primero- 'Gaia', otro conceptual muy elaborado y esplendido. También brillaron con 'La leyenda de la Mancha' -un disco conceptual excelente- y Finisterra, en el que se acercaron a sus raíces musicales. Después, en mi opinión, no han hecho grandes cosas o, al menos, no con el nivel de estos cuatro trabajos.  
Cuando en 1995, mi amigo Pepe López, colaborador mío, me sugirió que los contratara en aquel incipiente 'Piorno-Rock' (lo que se hace ahora no tiene nada que ver con aquello), ya comenzaban a ser conocidos, pero aún su proyección era modesta. Meses antes habían actuado con mucho éxito en aquel fallido 'Barbarian' de Pinos Puente. Ahí los conocimos.   Volvieron a los dos años muchos más endiosados porque ya iban vendiendo discos, llenando conciertos y abarcando fama. En las tres ocasiones dieron conciertos memorables. 
Aún siguen arriba, pero la ida de su cantante les ha hecho caer bastante. Ocurre siempre que se va alguien carismático, sobre todo si se trata de la voz, que es una seña de identidad de este tipo de bandas y muy particularmente de ésta. 
Por tanto, si en el lugar de vacaciones os enteráis de que actúan por la zona, yo os sugeriría que fuerais al concierto, a pesar de que ya no es el mismo cantante. No os vais a arrepentir. 

Inserto aquí el concierto completo de las Ventas en 2004 por gentileza de YouTube, que nunca nos falte: 



      

10 mayo 2014

MÚSICA: LORD WIND (POLONIA, 1994-Actualidad)


Inserto aquí un corte de una veterana banda polaca muy desconocida de folk-metal, pero que me ha llamado mucho la atención por hacer sin aspavientos un metal medieval muy mesurado. Al contrario que otras que reivindican, en ocasiones sin convicción, una estética muy artificiosa ésta parece trabajar muy bien los sonidos y las voces. Su nombre Lord Wind. Sus trabajos suelen ser muy melódicos, pero como banda metálica también utilizan las voces obviamente. Aconsejable. 

28 marzo 2014

MÚSICA: SYMPHONY X (USA, 1994-ACT)

El metal de la banda americana Symphony X oscila entre el progresivo y el sinfónico, pasando por el power casi siempre. Es una banda melódica y, relativamente, tranquila que se enmarca en la línea de Dream Theater o la sueca Opeth. Pero cada cual tiene su propio estilo. No es justo confundirlas. 
Symphony X lleva existiendo en este difícil mundo del metal desde 1994, por lo que el mejor aval es saber que llevan veinte años en los escenarios de forma ininterrumpida. 
Eran ya conocidos pero, quizá, su nombre llegó al gran público -es un decir para una banda Heavy- con un trabajo denominado, Paradise Lost, un trabajo conceptual, de igual título, basado en el poema épico del poeta inglés del S. XVII John Milton. Gracias a este trabajo triunfaron a lo grande y les posibilitó una larga gira en 2007-08. Ya antes, en 2004, habían sacado el mercado otro trabajo conceptual basado en el poema épico homérico, de igual nombre: La Odisea (The Odissey). Por tanto, gustan de utilizar la literatura clásica para sus trabajos, algo que a mí me parece loable siempre. 
Sus instrumentos son la guitarra, el bajo, la batería y, por supuesto, la voz, que es una divisa que cuida mucho este tipo de grupos. Su cantante actual se llama Russell Allen, un norteamericano de 42 años que utiliza la voz tenor. Y como es lógico en bandas que suelen crear trabajos conceptuales, usan arreglos musicales de estudio, aparte de ser bastantes espectaculares en directo. 
Es un tipo de banda que gusta escuchar con tranquilidad y si eso lo hacemos con frecuencia acabamos aficionándonos a sus melodías.

Aquí inserto un corte de, quizá, su álbum más conocido, antes indicado:    
 

15 marzo 2014

MÚSICA: KATATONIA (SUECIA, 1991-ACT)

Leer la historia de Katatonia es un ejercicio épico: comienzos tibios, complicaciones de edición, crisis de ubicación, salidas de miembros, colaboraciones de otros, entradas de otros, lagunas creativas...Pero, probablemente, gracias a toda esa épica esta banda es singular, como lo es su música.
Podrían entenderse que pertenecen básicamente al género doom, pero ha habido muchos giros desde su creación en 1991, pasando por el black, en sus orígenes, el gothic, el death..., cultivando, incluso, el rock alternativo, tipo  Anathema. De todas formas, a pesar de los distintos estilos cultivados a lo largo de más de veinte años, siempre existe un trasfondo melancólico, oscuro y depresivo en sus temas. Ése es su principal sello.   
Muy emparentados también en su estilo con bandas consagradas como Opeth, con la que han tenido relaciones muy estrechas, entre otras cosas, porque es también sueca como ellos o la británica Paradise Lost, con la que han hecho giras continuas. En todo caso, Katatonia siempre ha estado marcada por el sello de los hermanos Norman, hasta que el grupo comienza su andadura en 2010 sin ellos. Desde entonces han sacado al mercado un albúm -en 2012- denominado 'Dead End Kings'. Con este trabajo y con los anteriores, el grupo sigue ahí en la brecha, dando numerosos conciertos. 
Utilizan tres guitarras -principal, rítmica y bajo- batería, voz, y en muchas ocasiones utilizan teclado-piano.  

Aquí inserto una actuación de septiembre de 2012, en la que se aprecia bien su estilo esencial:

28 febrero 2014

MÚSICA: PORCUPINE TREE (UK, 1987-ACT).

Porcupine Tree es una veterana banda británica que hace rock Progresivo y, en ocasiones, metal Progresivo, siendo la línea entre ambos géneros parientes poco nítida. 
La descubrí hace un par de años, a pesar que llevan en escena de forma ininterrumpida veintisiete años. Pero ocurre que estas bandas de culto comienzan a dar pasos lentos, inicialmente, en su entorno y con suerte saltan a la escena internacional. Otras muchas se quedan en el camino. 
Porcupine Tree tuvo suerte comercial, pero hubo de esperar unos quince años para que sus discos comenzaran a venderse a lo grande en Europa y EEUU. 
Aunque se trata una banda adscrita al rock Progresivo -también cultivan el psicodélico- parece que en los últimos años se han decantado algo más por el Heavy Metal, que es suave y considerado también progresivo, aunque muy distinto al que se hace en los países escandinavos. 
Porcupine es arrastrada desde el principio por un líder carismático llamado Steven Wilson, que es uno de esos tipos totalmente volcados en la música desde muy joven y con dotes creativas. Él sostiene que la música de su banda es sencilla, pero todos coinciden que es compleja. Yo también. Tienen diez discos de estudio y su propia discográfica, estudio y tienda; o sea, ellos se lo cocinan y se lo comen y como suele ser habitual en estas bandas trabajan con guitarras -principal, rítmica y bajo- teclados, piano, sintetizadores, batería y, por supuesto, voz. De ellos me gusta particularmente el esmero de sus temas, que es algo muy británico, y poder descubrir sus inmensos sonidos. Particularmente me gustan los teclados y la contundencia del bajo. Muy aconsejables, pues. 
Aquí inserto un vídeo de YouTube reciente con muy buen sonido e imagen y subtitulado en español, ya que sus letras no dejan indiferente a nadie:   

21 febrero 2014

MÚSICA: OPETH (Suecia, 1991-Act)

La banda sueca Opeth me enganchó desde el primer minuto. Es una de esas bandas que no se encasillan y que teniendo un trasfondo metálico, apuntan a otros géneros como el rock progresivo o el jazz y el blues. Sin embargo, de esta banda prefiero sus cortes de Doom Metal y Death metal progresivo. 
Sus veintitrés años en los escenarios les ha dado para tener un público muy fiel en todo el mundo y están avalados por sus más de doce discos, además de grabaciones en vivo y singles. No obstante, no es un grupo de masas, probablemente por decisión propia.
Como suele ser habitual en todos los grupos metaleros, los cambios han sido constantes, pero hay un liderazgo permanente que es fiel a la esencia del grupo desde su nacimiento. Y ese líder no es otro que el sueco de Estocolmo, Mikael Äkerfeldt, que cultiva varios instrumentos, pero básicamente la guitarra principal, además de su sugestiva voz. Han grabado discos íntegros como Rock progresivo (Heritage, 2011, por ejemplo)  y otros más -la mayoría-  de corte más metalera.
En sus actuaciones suelen utilizar, guitarra, guitarra bajo, batería, teclados e, incluso, piano.
Aquí les vemos en un concierto reciente. 



11 enero 2014

MÚSICA: RIVERSIDE (POL. 2001-ACT)

Riverside es una banda polaca que cultiva el rock y el metal progresivo, existiendo una fina línea en la transición de un estilo a otro. Y eso se debe al virtuosismo  de sus músicos. 
Funcionan desde 2001 pero debieron esperar hasta 2007 para que su música comenzara a triunfar de forma importante. Y lo hizo con su tercer álbum de estudio denominado 'Rapid Eye Movement', que les sirvió para que la mítica 'Dream Theater' les llamara como teloneros en su gira europea, algo que es coherente por la similitud -no identidad- de estilos de ambas bandas.
Ambas tienen en común un enorme esmero en cada uno de los instrumentos que interpretan. Y ese esmero lo es tanto en estudio como en directo, que no es algo que sea común a todas las bandas. Y, lógicamente, ese empeño se aprecia en sus trabajos. Nada mejor que escucharlos en un buen equipo y con buenos auriculares Hi-FI, para saber de lo que estamos hablando.
De manera similar a Dream Theather, Riverside utilizan los siguientes instrumentos: batería, guitarra acústica, guitarra principal, bajo y teclados. También son muy dados a la percusión y a los muy cuidados arreglos. La voz de su cantante, Mariusz Duda, es más grave que la de James LaBrie (es posible que mejor cantante) y a diferencia de éste, aquél suele cantar acompañado de bajo o, incluso, de guitarra, asunto ese que siempre ha sido la asignatura pendiente del cantante de Dream.
Lógicamente, me queda mucho por escuchar de esta banda polaca pero lo que ya he escuchado (principalmente, su último trabajo 'Shrine of New Generation Slaves') me parece excelente, tanto por la mezcla de sonidos como por la versatilidad musical.
Inserto dos vídeos de YouTube: el primero de una actuación en directo de excelente calidad y el segundo un vídeo estático de su último disco. Aconsejo que se escuchen un buen rato para captar su calidad y disfrutar de esta música. Y eso sí, no os conforméis tan sólo con la mínima calidad sonora del ordenador. 









14 diciembre 2013

MÚSICA CLÁSICA: MONTEVERDI

   Hubo un día en el que descubrí la música de Monteverdi. Probablemente fue por casualidad -algo que es habitual- o bien porque alguien me habló de ella. Uno de esos días en los que tienes la impresión de haber descubierto algo distinto. Porque distinta es la música de este compositor italiano nacido en la segunda mitad del siglo XVI y que pasa por ser al autor más importante en la transición de la música renacentista a la barroca.
   Compositor de operas, música religiosa y coral polifónica, es un referente en estos estilos musicales, de impronta muy cultista, pero también de delicioso disfrute para los oídos. 
  Inserto un vídeo grabado en el Liceu de Barcelona de calidad sonora y de imagen extraordinarias con la interpretación orquestal, operística y coral de una de las obras  (Favola in música) del autor italiano. Hay que verlo y escucharlo para disfrutarlo. 


29 noviembre 2013

MÚSICA CLÁSICA: JOSEPH HAYDN (SINFONÍA Nº 94 en G Mayor -Suprise- )

La música clásica es atemporal; de ahí su éxito. Pero si hay algún periodo del año en el que sea muy agradable escucharla es éste. Por tanto, cada sábado de diciembre -si no tercia nada que merezca la pena más- introduciré un corte de algunos compositores que me gusten -y espero que vosotros-as- también-. Comenzaré por Haydn, el compositor austriaco nacido en el siglo XVIII y al que se le considera creador de la sinfonía. Además, mentor de Mozart, según se dice,  y uno de los pocos músico que Mozart llegó a admirar. 
Su obra más conocida es 'La creación', pero a mi particularmente me gustan mucho sus sinfonías, porque ponen en juego la mayor parte de los instrumentos de una orquesta y está dotada de enorme vitalidad y musicalidad. La que inserto, es la  94 en G Mayor -Suprise-, interpretada en este caso por la Orquesta St. Cecilia. No la más conocida del compositor, pero muy estimulante.  




   

23 noviembre 2013

MÚSICA: EPICA (Holanda, 2003-Actualidad)

En mi opinión, Epica (Holanda) es una de las mejores bandas de metal sinfónico y gótico que existen en la actualidad. Una banda que cuida y arregla sus temas como pocas y que posee una de las mejores voces femeninas (Simone Simons) una voz mezzo soprano que es muy adecuada tanto a las voces guturales masculina de Mark Jansen (ex After Forever) como para la instrumentalización clásica con la que suelen actuar en muchas ocasiones. También es una voz que va muy bien para la fuerte presencia de las dos guitarras y el bajo. 
De todos sus discos, el que más me convence es el que da título a este vídeo que inserto, 'The Phantom Agony', un trabajo de 2003 que probablemente es el que le lanzó a la fama mundial. Es un trabajo muy cuidado, que incluye en estudio y en directo la intervención de una orquesta clásica como podemos ver. En mi opinión, es un de los mejores discos de este género. 
Como ya he comentado, además de la voz femenina de la joven Simone Simons, utilizan la voz gutural masculina de Mark Jensen, que se ocupa también de una guitarra, otra guitarra más, bajo y teclado más sintetizadores, algo que define mucho a un grupo de metal sinfónico y gótico, sin que eso evite que se introduzcan de vez en cuando en el metal progresivo. También son dados a los coros. 
Os aconsejo que os hagáis con el disco.

15 noviembre 2013

MÚSICA: CORVUS CORAX (Alem, 1989-Actualidad)

La banda de heavy metal que hoy os mostraré está en la linea de 'In Extremo', en cuanto a la utilización de instrumentos de corte medieval, pero más purista en cuanto a la utilización de estos instrumentos; y tal vez, menos volcada en riff metálicos. Es también de Alemania.
Realmente, es todo un espectáculo contemplarlos y su puesta en escena se acerca mucho a la mística del medievo, tanto en instrumentalización como en vestimenta. Pero no debemos dejarnos guiar por su extravagancia -que la hay-, ya que existe toda una sólida y rigurosa documentación en cuanto a la música que interpretan e instrumentos que tocan. 
Se trata de una música medieval popular y pagana, en una época dominada por la iglesia católica. Por tanto, el trabajo de investigación de uno de sus exmiembros,  Meister Selbfried es encomiable. De hecho, han montado proyectos ambiciosos, entre ellos, una remusicalización de 'Carmina Burana' a la que denominaron 'Cantus Buranus'. 
En la actualidad hay en la banda ocho miembros y es habitual que sea el sonido de la gaita el que destaque por encima de otros instrumentos de época medieval. En la actuación del Wacken ha colaborado con ellos Wadokyo que es un grupo especializado en tocar   tambores tipo 'Taiko' que proliferaron en los pueblos de Europa.
En este vídeo vemos su actuación en la edición del Wacken de este mismo año y, al parecer, son muy aclamados por el público alemán.

08 noviembre 2013

MÚSICA: SIEMPRE HELLOWEEN (Alem, 1984-Actualidad)

Uno los escucha por enésima vez y siempre piensas: ¡qué buenísimos son! Y es que esta banda, en mi opinión, siempre está en estado de gracia. El próximo año cumplirán 30 años en los escenarios y no se arrugan. Es increíble.  Cultivan un power metal y un speed metal muy peculiar, que no son las ramas que más adoro, pero sí de la mano de estos teutones. 
Poca gente no los conoce, pero para quien no frecuente el amplio y dinámico mundo del Heavy Metal, diré que Helloween es una banda de Heavy Metal alemana -Hamburgo- que surgió en 1984 y que no ha parado desde entonces. Han creado escuela con sus originales riffs, surgidos del primer Michael Weikath, pero también seguidos por el posteriormente incorporado segundo guitarra, Sascha Gerstner. También hay una concepción muy original en la forma de tocar el bajo por parte de Markus Grosskopt, por no hablar del tono tenor de su vocalista Andi Deris. La batería fue un problema desde que falleció Ingo. Pero, al parecer, han encontrado al músico indicado,, el joven Dani Löble.
Una banda que despegó de forma decisiva al año siguiente de fundarse con el ya mítico album 'Walls of Jericho' y como todas las bandas ha tenido etapas turbulentas con salida y entrada de miembros. Actualmente, de los cinco miembros, hay dos miembros fundadores: el primer guitarrista Michael Weikath y el bajo -uno de los mejores de la orbe metálica- Markus Grosskopt-, y la llegada del actual vocalista Andi Deris marcó un cambio de estilo. Su apuesta supuso un heavy metal más duro. Posteriormente se incorporaron el segundo guitarra Sascha Gerstner y, por último, el baterista suizo Dani Löble. Esa es la configuración actual.  Estoy convencido que el baterista fundador, Ingo Schewichtengerbg aún estaría en la banda, ya que fue su mentor principal y la adoraba, pero lamentablemente se suicidó en 1995, cuando aún no había cumplido los 30 años de edad.  

El vídeo que inserto es el de la actuación del Wacken de 2011, que es un directo que, particularmente, me gusta mucho. Es una de las bandas que más disfruta en directo ya que son muy comunicativos. 

EL CÍNICO APARATO INFORMATIVO DE RUSIA EN LA INVASIÓN DE UCRANIA

"El asesinato de Daria Dugina desata una ola de indignación en Rusia El asesinato de Daria Dúguina, hija del líder del movimiento neoeu...